Моя коллекция графики и Artist's books начала складываться стихийно и почти самопроизвольно в середине 1980-х годов. Самые первые работы были подарены друзьями-художниками. Со временем, интерес к аккумулированию искусства стал более осознанным, системным и самозначимым, иной раз — полным страстного азарта. Постепенно я стал приобретать, насколько позволяли возможности, работы мастеров которых никогда не знал, да и не мог знать, но которые были мне чем-то интересны, близки или полезны как художнику — атипичностью пластического языка, идеями и сюжетами; или наоборот — их работы, не отличаясь острой индивидуальностью, являются квинтэссенцией духа ушедшего времени.
Основной объем материала относится к станковой печатной графике, к которой, по разным причинам, я давно испытываю особый и разнообразный интерес, как непосредственно практический (постоянно работая в разных техниках: шелкографии, линогравюре, литографии и т.д.), так и некий метафизический. В коллекции представлены, хотя и в разной пропорции, абсолютно все эстампные техники: литография и меццо-тинто, разные виды офорта, ксилография и линогравюра, шелкография, монотипия, гравюра на картоне и пр. Общее количество листов в коллекции превышает тысячу. Географически, весь материал довольно условно можно разделить на три больших раздела: отечественная графика, графика европейская и графика востока, охватывающие временной диапазон с ХV века по наше время, с преобладанием эстампов ХХ столетия. С середины 2010-х коллекционирую технически необычные образцы старой фотографии «ню» ХIХ — ХХ века (около 400 отпечатков). И, конечно, Книга художника, работы коллег-современников, боксы с моим участием и то, что мне просто любопытно листать.
Как известно, в числе первопроходцев «artist's book» достойное место занимает Уильям Блейк (1757—1827), автор стихов и иллюстраций к ним, сочинитель, в силу внешних обстоятельств начавший самостоятельно гравировать и издавать свои поэмы. Впрочем, взаимосвязанность текста и изображений, использование ручной иллюминации, и прочие разнообразные изыски, отличает практически все рукописные и первопечатные книги Европы, с той единственной, но существенной разницей, что авторство текста, графического оформления, непосредственное издание, как правило, относилось к компетенции разных людей. Впрочем, от этого сами книги не становятся менее привлекательными.
Образцом стилистической цельности слова и типографики подобной книги является, например, инкунабула «Dat boeck van den leven ons liefs heeren ihesu Cristi», текст которой (Vita Christi / Жизнь Христа) принадлежит перу немецкого христианского писателя-теолога Людольфа Саксонского (1295—1378). Фолиант отпечатан в Антверпене типографом Жераром Леу осенью 1487 года. В моей коллекции есть один лист из этого издания — «Положение во гроб», с грубовато но точно подкрашенной вручную сдвоенной обрезной гравюрой на дереве и витиевато гравированной буквицей в начале текстового блока. Авторство иллюстраций приписывается граверу, оставшемуся анонимным и обозначаемому в литературе, как “Первый Антверпенский ксилограф”.
Многие из отдельных гравированных листов XVI — XVIII веков, которые есть у меня, связаны с книгами, для которых они изначально и делались. Например, сюрреалистической странностью сюжетов мне симпатична серия гравюр Болоньино Альтьери (1555—1576), сделанная для тома «Imagini» ("Le imagini con la spositione de i dei de gli antichi" raccolte per Vincenzo Cartari, Venetia, F. Marcolini, 1556), знакового сочинения XVI века итальянского поэта и ученого Винченцо Картари (1520—1570). Книгу вполне можно рассматривать как путеводитель по античной мифологии, с подробным жизнеописанием Бахуса и Венеры, Нептуна и Сатурна, Плутона и Меркурия, Фортуны и прочих богов. Из восьмидесяти девяти офортов иллюстрировавших второе издание сочинений у меня есть только пять, в т. ч. мой любимый — «Нептун и Афродита» (1571), висящий над рабочим столом уже много лет.
Еще, из того, что заслуживает упоминания, — серия легких миниатюрных (60 Х 80 мм) ксилографированных иллюстраций немецкого мастера Северного Возрождения Виргиля Солиса (1514—1562) к изданию «Метаморфозы» Овидия (Франкфурт, 1581). За ним следует: «L'Ovide en belle humeur» — саркастическое переложение Метаморфоз на французский язык, сделанное музыкантом и поэтом Шарлем Койпо (1605—1677). Книга, абсурдно-фантасмагорические рисунки к которой, придумал и гравировал на меди художник Жан Матье (1590—1672), ими в основном и знаменитый, пользовалась большой популярностью. Сочинение, являющее собой явный образец апроприации в искусстве, было выпущено парижским типографом Николасом Ренуаром в 1619 году и впоследствии не раз переиздавалось. Обе вещи крайне редки и представлены у меня лишь отдельными гравюрами.
Именно художники создавали образ книги в подобных изданиях, причем, расставляя смысловые акценты, делали это с высокой степенью субъективности. Здесь уместно сказать еще об одном бестселлере своего времени — 10 томном «Cérémonies et coutumes» (Религиозные обряды) известного франко-нидерландского художника Бернара Пикара (1673—1733). «Обряды», издававшийся с 1723 по 1743 год, являются самой значительной его работой. Пикар, никогда не покидавший границ Европы, вдохновенно сочинял свои офорты, основываясь исключительно на пересказанных и прочитанных историях первопроходцев, покорителей диких земель Азии, Африки и Америки, и собственном воображении художника. Мир туземцев, каннибалов и идолопоклонников получился у него абсурдным, завораживающе пугающим и восхитительно привлекательным. Качество это — талант к созданию пространства смыслов, как мне представляется, является основополагающим и для жанра Книги художника.
В ХХ веке получила значительное развитие книжная традиция востока. В первую очередь Китая и Японии, имевшая, как опосредованное, так и прямое влияние на мировую «книгу художника». Книга, в которой текст (часто поэтический) не теряя самостоятельной смысловой наполненности, сплавляется с изображением в цельную пластическую структуру.
Говоря о корневой основе «книги художника» невозможно обойти стороной искусство традиционной японской книги. Обязательного упоминания заслуживает многотомное, выходившее в XIX веке издание «北斎漫画» (Манга) Кацусика Хокусая (1760—1849), крупнейшего японского мастера, чье искусство оказало влияние не на одно поколение современных живописцев и графиков. В Европу альбомы набросков Хокусая впервые попали в 1831 году, где очень быстро обрели своих поклонников.
«Манга Хокусая» — ксилографированные альбомы мастерски исполненных художником набросков сцен из повседневной жизни японцев, зарисовок пейзажей, растений, животных и орнаментов. За исключением коротких издательских аннотаций, они полностью лишены внутрикнижного текста. Основа Манга — повествовательные, порой мистически-странные или ироничные изображения, отпечатанные с деревянных досок и собранные в издательские тетради. Как правило, отпечатки делались в три тона (черный, серый и бледно-телесный) на тонкой чуть желтоватой бумаге. Среди специалистов существуют разночтения по степени и характеру участия Хокусая в работе над книгами. Высказывалось мнение, что компоновкой изображений для гравирования и определением их последовательности в томе занимался не сам художник, а издатели и ксилографы.
Всего вышло 15 томов «Манга Хокусая», содержащих примерно тысячу гравюр. Первый из них был опубликован в 1814 году, когда художнику уже исполнилось 55 лет. Последние три тома появились после смерти мастера: два тома издатели сформировали из ранее неопубликованных материалов, самый последний составлен в 1878 году, из уже публиковавшихся работ. У меня есть поздний том Манга целиком и группа отдельных листов из самых первых выпусков.
Полностью построены на приоритете изображения ксилографированные книги, выпускавшиеся в 1930—1950-е годы пекинской «Студией Сверкающих сокровищ», уничтоженной впоследствии в годы «культурной революции» хунвейбинами. Достаточно назвать книги, сделанные при участии крупнейшего китайского художника ХХ века Ци Байши (1864—1957). Как пример: изданный в 1952 году «年荣宝斋新记木版水印» (Альбом с 22 цветными ксилографиями Ци Байши).
Листы этой книги соединены в непрерывное целое в форме гармошки. Верхняя и нижняя крышки обложки обтянуты натуральной шелковой тканью с изящным орнаментом (почти для каждого экземпляра использовался свой рисунок узора). Гравюры на дереве, выполненные в жанрах «цветы и птицы» и «травы и насекомые» (изображения рыб, птиц, насекомых, фруктов, грибов, цветов) сопровождаются краткой каллиграфической подписью и авторской красной печатью. В силу специфики печатного процесса (нанесения краски на увлажненную бумагу), в разных экземплярах альбома изображения имеют незначительные отличия, что только придает им дополнительную ценность.
В издании книг «Студии Сверкающих сокровищ», как и в случае с матиссовским «Джазом», принимали участие профессиональные граверы и печатники, переводившие тушевые рисунки мастера в ксилографию. Сам Ци Байши, как и Анри Матисс, создавал только оригиналы композиций и осуществлял общий контроль работ.
Пору слов стоит сказать о периодических малотиражных изданиях, выходивших в ХХ веке во всем мире, так или иначе использовавших элементы, характерные для книги художника, и популяризировавших эту форму искусства. Особенно много таких журналов издавалось во Франции. Наиболее известные из них: «Verve» и «Derrière le Miroir». В Нью-Йорке, в конце 1960-х годов выпускался «Avant Garde» (Авангард). Журнал, главным редактором которого являлся Ральф Гинзбург, а художником — мэтр американского шрифтового дизайна Герберт Ф. Любалин (1918—1981). Журнал, отличавшийся оригинальным графическим дизайном и актуальностью статей, имел весьма скромный тираж, но неоднократно становился предметом публичных скандалов и разбирательств, благодаря чему был чрезвычайно популярен в кругах художественной богемы Нью-Йорка. С января 1968 по июль 1971 года, за три с половиной года существования «Avant Garde», вышло 14 номеров.
По инициативе издателя отдельные выпуски журнала в виде вклеек включали авторские работы крупных современных художников, подготовленные специально для «Avant Garde». Так во второй (мартовский) номер журнала за 1968 год вошло портфолио, составленное из 12 цветных оригинальных шелкографских отпечатков под названием «The Marilyn Monroe Trip» (6,5 разворотов журнала). Авторизированные композиции были исполнены по оригиналам модного нью-йоркского фотографа и режиссера Берта Штерна (1929—2013), сделанным 21 июня 1962 года на последней фотосессии Мэрилин Монро в Bel Air Hotel (Голливуд).
Яркие флуоресцентные цвета шелкографий Штерна, ставшие своеобразным ответом фотографа на работы Энди Уорхола (1928—1987), со временем стали самостоятельным коллекционным материалом, часто экспонирующимся как самодостаточная серия станковых листов.
Кроме того, в коллекции есть, как отдельные графические листы, так и небольшие серии гравюр художников, работавших в ХХ веке, в подавляющем большинстве в Петербурге и Москве, а также несколько листов русских художников ХVIII — начала ХХ века.