Искусство авангарда в системе обучения студентов-средовиков (Парыгин)

Искусство авангарда в системе обучения студентов-средовиков
автор Алексей Борисович Парыгин (р. 1964)
Дата создания: 2018, опубл.: 2020. Источник: Парыгин А. Б. Искусство авангарда в системе обучения студентов-средовиков. В сб.: Три века поисков и достижений. Отечественное искусство XVIII–XX веков. — М.: БуксМАрт, 2020. — 184 с. — С. 133-136. ISBN 978-5-907043-50-3

Искусство авангарда в системе обучения студентов-средовиков

Обозначу базовые особенности и некоторые нюансы преподавания пластического искусства студентам-средовикам (направления: дизайн интерьера, ландшафтный дизайн), сформировавшиеся у меня более чем за 20 лет работы в высшей школе.

При составлении программы обучения живописи и рисунку студентам прикладного профиля надо ясно представить, чему они в итоге должны научиться, что понять, от каких заблуждений и иллюзий избавиться.

Мой методический принцип обучения сформулирован следующим образом: от рисования простых натурных, постепенно усложняющихся постановок, плавный переход к многослойным композициям, с установкой на максимально осознанную и творческую работу с пластической формой и цвето-тональными отношениями. От умения видеть и точно передавать увиденное — к способности нетривиально интерпретировать.

Развитие у учеников свободного и креативного композиционного мышления в материале как основная цель всего обучения и, соответственно, критерий качества создаваемого студентами материала. Выработка у них представления о самозначимости цветовой и линейной структур, о существовании закономерностей и логики композиционного строя. В идеале, на основе всего вышеперечисленного должно происходить формирование собственной выразительной системы, своего пластического языка.

Смысл работы студента не в создании иллюзорно убедительной картинки, не в стремлении к поверхностному натуроподобию, но в осознании структуры и логики организации, сущностном проникновении в плоть композиции, и в таланте её индивидуальной трактовки.

На начальных курсах, на рисунке и живописи студенты работают с натюрмортами и постановками в интерьере и экстерьере, где их основными задачами являются: точная передача пропорций предметов и межпредметных связей, изучение пространственной перспективы, цветовых и тональных отношений, при соблюдении композиционной целостности всего листа. На последнем курсе они проектируют и делают арт-объект, используя самые различные материалы: металлы, древесину, натуральные и синтетические ткани, пластик и стекло, применяя современные технологии: лазерную резку и сварку, варианты цифровой печати, светодиоды и неоновый свет. Своеобразным вектором и базовой основой курса, послужила субъективно отфильтрованная мной сумма новаторских идей и находок в области пластических искусств конца ХIХ — середины ХХ века (от Поля Сезанна до Джоржио Моранди и абстрактных экспрессионистов). По этой причине, в качестве иллюстративного материала на занятиях, помимо студенческих работ, используются произведения классиков мирового искусства, что конечно, не означает полного взаимного тождества материала, но обозначает направление движения. При этом сказанное не отвергает, а лишь подчеркивает тот факт, что злейшим врагом в учебной практике является стилизаторство и подражание внешним приемам работы крупных мастеров.

На всех курсах, каждый осенний семестр по возможности должен начинаться с этюдов. Около месяца студенты 1-3 курсов работают с преподавателями в городской среде. Они делают зарисовки и пишут с натуры. Короткие наброски и более длительные зарисовки городских ландшафтов, на которых у студентов есть шанс плавно включиться в работу на новом курсе, длятся примерно месяц. Такая практика позволяет ученикам быстрее освоиться с новыми графическими техниками, найти оптимальный для себя материал и смелее определиться с характером его использования. При сохранении обще-композиционных задач, в этот период, по сравнению с обычными занятиями, есть больше возможностей для экспериментирования с формально-выразительными средствами. Выбор практически не ограничен: мелковые материалы (уголь, соус, сангина, пастель), разнообразные карандаши и маркеры, тушь (в любых вариантах применения). Хорошо, если студент почувствует и сравнит, составит для себя представление о сотрудничестве с самыми разными материалами и инструментами рисунка[1].

Пленэр дает хороший творческий заряд для самостоятельной работы, а также имеет исключительное значение в формировании базовых знаний дизайнера. В первую очередь, развивая привычку уделять должное внимание пространственному построению и соразмерности отдельных элементов композиции. Учит видеть и верно передавать формы в открытой среде. Крайне полезно и даже необходимо знакомство студентов с работами крупнейших отечественных мастеров пейзажного жанра 1910-1930-х годов, а именно: холстами Ильи Машкова, Аристарха Лентулова, Роберта Фалька, Александра Куприна, Петра Кончаловского, других художников объединения «Бубновый валет».

Регулярные аудиторные занятия начинаются в октябре. На живописи весь первый год студенты пишут только акварелью. В 1-м семестре выполняются простые постановки с натуры, от составленных из 3-5 предметов и нескольких драпировок, до организованных более сложно. Компонуют работы строго в формат листа (вертикальный или горизонтальный лист ватмана), без каких либо последующих обрезаний бумаги, что является одной из обязательных учебных задач в 1-3 семестрах.

Во 2-м семестре, студенты пишут 6-7 натюрмортов, в основном, по сырому листу. Монохромный — в одну краску (например: сиена, сепия, ультрамарин); на сближенные цветовые отношения — в две краски (например: умбра и черная, марс коричневый и охра желтая); на контрастные цветовые отношения — в две краски (например: кадмий желтый и ультрамарин, охра красная и зеленая); контрастный натюрморт — в полную палитру. В первую очередь, задания этого периода направлены на осмысление студентами значимости тона в композиции. Так же важным моментом является первая попытка отрыва от буквального следования цветовой структуре натурной постановки.

После окончания летней сессии студенты 1-го курса ходят на городской пленэр. В течение всей практики выполняются краткосрочные наброски и этюды, направленные на изучение общего цветового состояния пейзажа, его переменных и постоянных составляющих. Их цель — выявление пластических особенностей урбанистического ландшафта и создание основы для понимания закономерностей цветового строя композиции, освоение работы цветовыми отношениями при сохранении целостного восприятия натуры. Со 2-го курса на занятиях по живописи пишут только гуашью. В 3-м семестре надо выполнить пять постановок — натюрмортов из 5-10 предметов и 4-5 драпировок, которые построены на сближенных цветовых отношениях. Например: «Черный»; «Синий»; «Зеленый»; «Красный»; «Белый». Обычно я ставлю почти все натюрморты сразу. Но начинать работу советую с «Черного» натюрморта, а заканчивать «Белым» (он наиболее сложный). Выбирается ракурс, обязательно делаются цветовые эскизы (желательно 3-4), один из которых утверждается преподавателем и только затем студентом выполняется большая работа (в лист ватмана). Натюрморты итальянского живописца и графика Джоржио Моранди, лаконичные и безупречно точные по пластике, являются наиболее подходящими для анализа и практического исследования на этот период[2].

Писать надо в полную палитру, почувствовать силу цвета, его изменчивость (теплохолодность), найти тональные контрасты и понять их значимость для композиционной структуры. Немаловажный момент, касающийся технической стороны живописи — я настоятельно не рекомендую студентам использовать в работе что-либо кроме плоских кистей из натуральной щетины. Причин тому много, но главная кроется в том, что применение мастихинов и иных инструментов неизбежно приводят к доминированию приема (манерности) над сутью задания. Положение одинаково распространяется на все годы обучения. Результаты этого семестра обычно менее эффектны, чем следующего, когда ставятся задачи на контраст, но полезны для понимания языка цвета.

С этого же семестра, но не раньше, стоит рекомендовать студентам знакомство с теоретическими трудами по цветоведению, такими, например, как «Искусство цвета» крупнейшего исследователя вопроса швейцарского художника Иоханнеса Иттена (1888-1967) или с текстами художника, еще одного преподавателя Баухауза — Йозефа Альберса (1888-1976), оказавшего значительное влияние на послевоенное искусство США.

В 4-м семестре студенты должны выполнить такое же количество заданий, что и в предыдущем, но уже построенных на контрастных цветовых отношениях. Например: «Красный/ Зеленый»; «Оранжевый/ Голубой»; «Фиолетовый/ Желтый»; «Черный/ Белый». Основные требования к работам: цельность композиции, выявление цветовых и тональных контрастов, анализ пластической структуры постановки (линейных и цветовых ритмов).

В контексте центральной темы семестра, стоит посоветовать ученикам прочитать главный трактат Василия Кандинского «О духовном в искусстве», который может быть полезен своей ассоциативной образностью, чувствованием и звучанием цвета.

В практической работе, один из моих любимых и не раз опробованных приемов — введение в полихромный натюрморт гипсовых геометрических фигур, своей белизной являющихся своеобразным контрапунктом постановки. При этом характер и качества смонтированного преподавателем натюрморта являются довольно существенным моментом, оказывающим неоспоримое влияние на конечный результат — уровень студенческих работ.

Чем ясней и выразительней будет составленная композиция, тем легче будет ученику осознать стоящую перед ним цель. Поэтому, нередко, я привлекаю студентов к сотворчеству по созданию постановки, что позволяет им на практике убедиться в значимости формально-профессиональной стороны дела и не дает возможности просто срисовывать. Еще один прием — совместное с группой студентов обсуждение материала находящегося в процессе создания. Композиции раскладываются на полу или расставляются на мольбертах и все ученики по очереди высказывают своё впечатление и анализируют удачные и слабые качества работ. Порой возникают диалоги, что дополнительно настраивает на максимально осознанный подход к труду художника.

Последняя работа этого семестра пишется на произвольном формате, большем чем лист ватмана. Как правило, это вертикальные, несколько реже горизонтальные композиции, размером до 2-х метров по большей стороне. Специально для этого постановка составляется из 4-5 крупных элементов, 5-6 мелких предметов и драпировок. Она занимает площадь примерно 1,5 х 1,5 х 2 метра. Выполняя задание, ее обязательно нужно фрагментировать и трактовать форму предметов, глубину пространства и цветовую структуру более условно и обобщенно, чем в предшествующих натюрмортах, выявляя и обостряя формально-пластические качества композиции. Возможна мотивированная деформация формы, изображение строится не в традиции академизма. Подобная установка дается для того, чтобы дополнительно стимулировать развитие у студентов образного мышления. Одно дело, когда нужно верно написать готовую структуру и совсем другое, когда систему построения приходится создавать самому (поскольку, в зависимости от выбранного ракурса и степени усечения существенно меняется логика организации композиции). Большой формат листа — важный элемент в этом задании. Работать с ним значительно сложнее, чем со стандартным ватманом. Это хорошая школа для получения представления о соотношении идея-эскиз-формат.

В этот период я стараюсь обратить внимание учеников на живописно пластические идеи и творческое наследие русских и западноевропейских художников ХХ века. Речь ведется об основных течениях в искусстве того периода: абстракционизме и супрематизме, кубизме и футуризме, кубофутуризме и конструктивизме, абстрактном экспрессионизме и поп-арте. Лишний раз называю крупнейших представителей русского авангарда: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Владимир Татлин, Павел Филонов, Михаил Ларионов. Так же говорю о значимых персоналиях в мировом контексте: Сезанн и Винсент ван Гог, Пабло Пикассо и Жорж Брак, Поль Гоген и Анри Матисс, Тео ван Дусбург и Пит Мондриан. Показываю их работы и акцентирую внимание на языковой специфике живописи, различиях и общих чертах в творчестве европейских художников первой половины ХХ века.

Несколько слов по поводу характера задания и сути работы в 5-м семестре, на 3-м курсе. Вначале монтируется большая инсталляция (примерно 3 х 4 х 1,5 м) из 3-5 крупных элементов и 6-8 поменьше + драпировки. Работа начинается с композиционных карандашных набросков (с разных ракурсов, делается около 8-15 листов, формат А4). Затем, отрисовывается (по выбранному наброску) натурная композиция (формат производный от листа ватмана).

Следующий этап — выполнение трех композиций — пластических интерпретаций постановки. Формат бумаги произвольный — производный от листа ватмана. Делаются наброски (с разных ракурсов), на их основе — эскизы. Одно из обязательных условий — фрагментация изображаемого объекта. Затем, по отобранному с руководителем подсобному материалу — станковые листы: 1. Монохромная композиция (техника исполнения не регламентирована — могут быть использованы любые графические материалы); 2. Цветная композиция (техника исполнения не регламентирована); 3. Коллажная композиция.

Задачи: обобщение формы (особое внимание к выразительности пятна, линии и фактур). Более условная (чем в натурной работе) трактовка цветотональных отношений, целостная и ритмически убедительная организация всего листа, возможна сознательная корректировка изображаемого (убрать деталь/предмет, изменить пропорцию, упростить и деформировать форму и т. д.). Вариативность в трактовке среды (глубины пространства, перспективы).

В контексте данного семестрового задания для студентов будет полезно знакомство с теоретической работой Василия Кандинского «Точка и линия на плоскости», помогающей оторваться от конкретики натурной работы и позволяющей приблизиться к пониманию возможностей формально-пластического языка искусства. Обязательно стоит пересмотреть живописные натюрморты и интерьерные композиции Матисса, познакомиться с листами из серии 1947 года под названием Джаз, возможно, с коллажами немецких дадаистов (Курта Швиттерса, Ханны Хёх и других), русских художников использовавших принцип монтажа (в первую очередь Александр Родченко, Эль Лисицкий). При этом студентам нужно постараться вывести на осознанный уровень характер различий в использовании одного и того же по сути метода работы у названных мастеров.

В 6-м семестре, который с моей точки зрения является одним из наиболее интересных, студенты изучают пластику человека, делая работы, по материалам и задачам аналогичные предыдущему семестру. Начинается с набросков фигуры: по очереди поднимаясь на подиум, рисуют друг друга, затем, через несколько занятий — профессионального натурщика.

Основные задачи при работе с фигурой человека: пропорциональность, анатомическая убедительность и обобщенность в трактовке формы, лаконичность, цельность, линейно-пластическая выразительность, соразмерность с форматом листа и динамичность композиции. После набросков выполняются работы в лист ватмана. Две разных позы, по 40 часов на каждую. Одна — на карандаш, другая — на мягкий материал. Следующий этап — эскизы для больших композиций, делающиеся на основе натурного материала. Первая композиция — на цвет, вторая — на монохром (часто черно-белое решение), третья — коллаж. На каждое задание надо подготовить по 3-7 эскизов. На итоговую подачу выставляется 5 полноформатных листов и планшеты с одобренными преподавателем эскизами и набросками (от 15 до 50 шт.).

4-го курс последний, в котором студенты изучают пластическое искусство. И именно к этому курсу должна результативно сработать вся программа — позволить студенту перейти от работы с плоскостью листа к работе с объемной формой[3].

К великому сожалению, у сегодняшних студентов даже на старших курсах часто полностью отсутствует реальное представление о закономерностях развития пластической формы, физических свойствах материалов и современных методах их обработки. А если что-то и присутствует, то все по отдельности, без взаимосвязи первого, второго и третьего. На занятиях, рассказывая об элементарных, с моей точки зрения вещах, постоянно приходится слышать возгласы недоверия и удивления. Выражу субъективное мнение, что не в самую последнюю очередь такая ситуация является следствием излишней компьютеризация образования дизайнеров, поскольку ни какие 3D программы не в состоянии заменить реальную работу в объеме.

Семестровое задание заключается в следующем — студентам нужно разработать и сделать арт-объект, органично вписав его в собственный проект интерьера — от идеи до полноформатного воплощения в материале. Ограничений на техники и технологии его создания практически нет. Основное пожелание с моей стороны — вещь должна быть сделана на стыке дизайна и искусства.

В данном случае — отсутствует требование создать прототип для тиражирования, но скорее, уникальную вещь. Приветствуется индивидуальность и нетривиальность на стадии формулирования идеи, технологичность и функциональность объекта на выходе.

Во время семестра, большей частью я отсылаю студентов к опыту школы дизайна Баухауз. Например, советую еще раз пересмотреть, если нет времени перечитать ставший уже классическим труд Иоханнеса Иттена «Искусство цвета», а заодно и «Мой курс в Баухаузе и других школах». В котором учитывая контекст семестрового задания, можно обнаружить много полезных конкретно-прикладных советов.

Вместе с тем, ни что не заменит, крайне полезной процедуры непосредственных композиционных упражнений, с привлечением наиболее элементарных геометрических форм. Уроки эти, впервые выведенные на осознанный уровень в практике художественного образования в 1920-е годы, в Германии и сегодня сохраняют сою актуальность. Здесь мы вновь позволим себе сослаться на авторитет Иоханнеса Иттана: «Задания на композицию с абстрактными формами ставили своей целью развить мышление и вместе с тем освоить новые средства создания образа. Такие задания <…> не имеют ни чего общего с формально-стилевыми упражнениями…»[4].

Одно из обязательных условий для получения высокой оценки — стилистическая привязка проектируемого арт-объекта к конкретному интерьеру (делаются 3D эскизы объекта в среде). На итоговый просмотр выставляется: рукодельные наброски; рабочие чертежи; фотографии, сделанные в процессе изготовления предмета; макет (макеты); эскизы, показывающие объект в интерьере; сам арт-объект.

Примечания править

  1. Подробнее см.: Парыгин, А.Б. Пленэрная практика студентов кафедры Дизайн интерьера // Вестник СПб Государственного университета технологии и дизайна. Серия 3. № 3, СПб: СПб ГУТД, 2010. — С. 46-51.
  2. Подробнее см.: Парыгин, А.Б. Рисунок на кафедре Дизайн интерьера СПГУТД // Вестник СПб Государственного университета технологии и дизайна. Серия 3. № 1, СПб: СПб ГУТД, 2011. — С. 49-54; Парыгин, А.Б. Живопись на кафедре Дизайн интерьера СПГУТД // Вестник СПб Государственного университета технологии и дизайна. Серия 2. № 1, СПб: СПб ГУТД, 2011. — С. 41-45; Парыгин, А.Б. Курс живописи и рисунка на кафедре интерьера СПГУТД. — Петербургские искусствоведческие тетради, выпуск 21, СПб: АИС, 2011. — С. 181-190.
  3. Подробнее см.: Парыгин, А.Б. Создание арт-объекта как курсовое задание для студентов // Вестник СПб Государственного университета технологии и дизайна. Серия 3. № 4, СПб: СПб ГУТД, 2010. — С. 27-30
  4. Иоханнес Иттен. Мой форкурс в Баухаузе и других школах. — М.: Изд. Д. Аронов. 2008. — С. 64