В наше время не перестают быть актуальными вопросы о том, как научиться понимать формальную красоту цвета и линии, осознать закономерности композиционного строя, как выработать собственную выразительную систему, найти свой язык. Поэтому, когда в 2005 году существовавшая на факультете Дизайна Санкт-Петербургского Государственного университета технологии и дизайна кафедра Дизайн интерьера выделилась в самостоятельную выпускающую, в первую очередь возникла необходимость в разработке собственных программ учебных дисциплин рисунка и живописи, учитывающих временной вектор, специфику вуза и специализации, базовый уровень подготовки абитуриентов и многое другое.
Основной принцип обучения был сформулирован мной следующим образом: от рисования простых натурных, постепенно усложняющихся постановок, плавный переход к сложным композициям, с установкой на более осознанную и творческую работу с пластической формой и цвето-тональными отношениями. Развитие свободного и креативного композиционного мышления в материале как основная цель всего обучения и, соответственно, критерий качества создаваемого студентами материала. Цель — не поверхностное натуроподобие, но понимание структуры и логики организации, сущностное проникновение в плоть композиции, индивидуальность трактовки. Своеобразным вектором и базовой основой курса, послужила вся сумма новаторских идей и находок (в той или иной мере) в области пластических искусств первой половины ХХ века. Обе дисциплины преподаются в тесном взаимодействии педагогов и взаимоподчинении определяемых заданий и задач. Если на первом и втором курсах на рисунке и живописи студенты работают в основном с натюрмортами, где их основными задачами являются точная передача пропорций предметов и межпредметных связей, цветовых и тональных отношений, плюс соблюдение композиционной целостности всего листа, то на четвертом курсе они разрабатывают и делают арт-объект, используя самые различные материалы и технологии (сталь и древесину, пластик и стекло, лазерную резку и неоновый свет).
Каждый осенний семестр начинается с этюдов. Около месяца студенты 1-3 курсов работают с преподавателями в городской среде. Они делают зарисовки и пишут с натуры. Как правило, такие занятия проходят в центре города, недалеко от институтского корпуса на ул. Моховой 26. Летний сад и Фонтанка, Михайловский сад, Мойка и Марсово поле — наиболее часто посещаемые места. Обычно, в конце первой недели октября кафедра организует просмотр этих работ, с выставлением оценки, которая учитывается на экзамене по предмету в зимнюю сессию. На просмотр выставляются 10-15, как правило, акварельных этюдов среднего формата и две большие работы (в пол ватмана). Со второй недели октября начинаются регулярные аудиторные занятия. На живописи (каждый семестр по 102 уч. часа) весь первый год студенты пишут только акварелью на торшоне. В 1-м семестре выполняются простые постановки с натуры, от составленных из 3-5 предметов и нескольких драпировок, до организованных более сложно. Компонуют работы строго в формат листа (вертикальный или горизонтальный лист ватмана), без каких либо последующих обрезаний бумаги, что является одной из обязательных учебных задач в 1-3 семестрах. К итоговой экзаменационной подаче, обычно проходящей в 10-х числах января, должно быть сделано пять работ плюс эскизы. Развеска организуется по авторам, одновременно представляющим и живопись, и рисунок. Оценки выставляются во время кафедрального просмотра, в котором участвуют все педагоги, коллегиально, с приоритетным правом голоса ведущего преподавателя, что впрочем, не исключает подчас достаточно бурных споров и обсуждений.
Во 2-м семестре, который начинается в первых числах февраля, студенты пишут 6-7 натюрмортов по сырому листу. Монохромный — в одну краску (например: сиена, сепия, ультрамарин); на сближенные цветовые отношения — в две краски (например: умбра и черная, марс коричневый и охра желтая); на контрастные цветовые отношения — в две краски (например: кадмий желтый и ультрамарин, охра красная и зеленая); контрастный натюрморт — в полную палитру. В первую очередь, задания этого периода направлены на осмысление студентами значимости тона в композиции. Так же важным моментом является первая попытка оторваться от цветовой структуры натурной постановки. Заканчивается семестр в середине июня, как и предыдущий — экзаменационным просмотром, на который выставляются шесть работ плюс эскизы, что является обязательным моментом подачи.
Занятия по рисунку (каждый семестр по 136 уч. часов), как и по живописи, начинаются в первых числах сентября, с работы на открытом воздухе. Короткие наброски и более длительные зарисовки городских ландшафтов, на которых у студентов есть шанс плавно включиться в работу на новом курсе, длятся примерно месяц. Такая практика позволяет ученикам быстрее освоиться с новыми графическими техниками, найти оптимальный для себя материал и смелее определиться с характером его использования. При сохранении обще-композиционных задач, в этот период, по сравнению с обычными занятиями, есть больше возможностей для экспериментирования с формально-выразительными средствами. Выбор практически не ограничен: мелковые материалы (уголь, соус, сангина, пастель), разнообразные карандаши и маркеры, тушь (в любых вариантах применения). Хорошо, если студент почувствует и сравнит, составит для себя представление о сотрудничестве с самыми разными материалами и инструментами рисунка. В начале октября, после просмотра сентябрьских набросков и выставления оценок начинаются аудиторная работа.
Оба семестра первого курса студенты рисуют в институтских мастерских на ул. Моховой. В 1-м семестре работа идет в основном с натюрмортами, составленными из простейших геометрических тел, гипсовых рельефов и нескольких светлых драпировок. Выполнение каждого нового задания начинается с выбора места и небольших композиционных зарисовок карандашом с разных ракурсов.
Основные принципы ведения работы: от целого — к частному; от необходимого — к достаточному. Построение начинается с определения пятна и пропорции предметной группы, и его оптимального соотношения с форматом бумаги. Упор делается на конструктивный рисунок, с лаконичной моделировкой формы и объема предметов тоном, при обязательном выявлении целостности пластической структуры. Нужно учить видеть логику организации постановки, смотреть и рисовать один элемент композиции, через соотнесение его с другими.
Основные задачи этого периода: освоение выразительного языка рисунка (точка, линия); изучение основ построения в рисунке (пропорциональность); изучение линейной перспективы; освоение принципов изображения геометрических тел вращения; достижение ритмической взаимосвязанности всех элементов и общей пластической выразительности композиции. Семестр заканчивается экзаменационным просмотром по предмету.
После окончания зимней сессии, в конце января — начале февраля, группы 1-го курса приобщаются к копийной практике (72 уч. часа). Суть и последовательность выполнения задания заключается в следующем. Студенты определяются с материалом для копирования только совместно с преподавателем; отбираются исключительно графические листы (бумажный материал основы оригинала — одно из ограничений); по жанрам, желательно пейзаж, интерьер или натюрморт (но бывают и редкие исключения); размером, примерно от А4 до А1; по авторству и дате создания исходной работы ограничений практически нет (желательна временная дистанция не менее 30-40 лет). Все композиции делаются один в один к характеристикам оригинала (размер, техника и все нюансы авторского подчерка и технологии работы). В итоге, должен быть сделан один цветной (обычно, акварель или гуашь) и 1-2 монохромных листа. Смысл задания в том чтобы ученик почувствовал язык копируемых произведений, нашел, освоил и уместно применил использованные автором оригинала приемы.
Во 2-м семестре на занятиях по рисунку задания видоизменяются и несколько усложняются: начинается с работы над гипсовыми рельефами, затем следует капитель и пространственные композиции (ватман А2, А1; карандаш, сепия). Заканчивается семестр экзаменационным просмотром. На итоговую июньскую подачу представляются: шесть работ плюс наброски.
После окончания летней сессии студенты 1-го курса ходят на городской пленэр, который продолжается около двух недель. В течение всей практики выполняются краткосрочные наброски и этюды, направленные на изучение общего цветового состояния пейзажа, его переменных и постоянных составляющих. Их цель — выявление пластических особенностей урбанистического ландшафта и создание основы для понимания закономерностей цветового строя композиции, освоение работы цветовыми отношениями при сохранении целостного восприятия натуры.
Случалось, что отдельные — наиболее удачные в творческом плане студенческие работы, рекомендовались мной и были приняты к экспонированию на крупных профессиональных выставках. Так, в 2007 году четверо студентов приняло участие в IV международной биеннале акварели [1].
Пленэр дает хороший творческий заряд для самостоятельной работы, а также имеет исключительное значение в формировании базовых знаний дизайнера. В первую очередь, развивая привычку уделять должное внимание пространственному построению и соразмерности отдельных элементов композиции. Учит видеть и верно передавать формы в открытой среде. Крайне полезно и даже необходимо знакомство студентов с работами крупнейших отечественных мастеров пейзажного жанра 1910-1930-х годов, а именно: холстами Ильи Машкова, Аристарха Лентулова, Роберта Фалька, Александра Куприна, Петра Кончаловского, других художников объединения «Бубновый валет». Со 2-го курса на занятиях по живописи пишут только гуашью. В 3-м семестре надо выполнить пять постановок — натюрмортов из 5-10 предметов и 4-5 драпировок, которые построены на сближенных цветовых отношениях. Например: «Черный»; «Синий»; «Зеленый»; «Красный»; «Белый».
Обычно я ставлю почти все натюрморты сразу. Но начинать работу советую с «Черного» натюрморта, а заканчивать «Белым» (он наиболее сложный). Выбирается ракурс, обязательно делаются цветовые эскизы (желательно 3-4), один из которых утверждается преподавателем и только затем студентом выполняется большая работа (в лист ватмана). Натюрморты итальянского живописца и графика Джоржио Моранди, лаконичные и безупречно точные по пластике, являются наиболее подходящими для анализа и практического исследования на этот период.
Писать надо в полную палитру, почувствовать силу цвета, его изменчивость (теплохолодность), найти тональные контрасты и понять их значимость для композиционной структуры. Немаловажный момент, касающийся технической стороны живописи — я настоятельно не рекомендую студентам использовать в работе что-либо кроме плоских кистей из натуральной щетины. Причин тому много, но главная кроется в том, что применение мастихинов и иных инструментов неизбежно приводят к доминированию приема (манерности) над сутью задания. Положение одинаково распространяется на все годы обучения.
Результаты этого семестра обычно менее эффектны, чем следующего, когда ставятся задачи на контраст, но весьма полезны для понимания языка цвета. На итоговую подачу представляются пять композиций плюс планшет с эскизами.
С этого же семестра, но не раньше, стоит рекомендовать студентам знакомство с теоретическими трудами по цветоведению, такими, например, как «Искусство цвета» [2] крупнейшего исследователя вопроса швейцарского художника Иоханнеса Иттена (1888-1967) или с текстами художника, еще одного преподавателя Баухауза — Йозефа Альберса (1888-1976), оказавшего значительное влияние на послевоенное искусство США [3].
В 4-м семестре студенты должны выполнить такое же количество заданий, что и в предыдущем, но уже построенных на контрастных цветовых отношениях. Например: «Красный/ Зеленый»; «Оранжевый/ Голубой»; «Фиолетовый/ Желтый»; «Черный/ Белый». Основные требования к работам: цельность композиции, выявление цветовых и тональных контрастов, анализ пластической структуры постановки (линейных и цветовых ритмов).
В этот период я лишний раз стараюсь обратить внимание учеников на живописно пластические идеи и творческое наследие русских и западноевропейских художников первой половины ХХ века. Речь ведется об основных течениях в искусстве того периода: абстракционизме и супрематизме, кубизме и футуризме, кубофутуризме и конструктивизме. Называются крупнейшие представители русского авангарда: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Владимир Татлин, Владимир Маяковский, Павел Филонов, Михаил Ларионов и другие. Так же говорю о персоналиях в мировом контексте: Сезанн и Винсент ван Гог, Пабло Пикассо и Жорж Брак, Поль Гоген и Анри Матисс, Тео ван Дусбург и Пит Мондриан. Показываю их работы и акцентирую внимание на языковой специфике живописи, различиях и общих чертах в творчестве европейских художников первой половины ХХ века.
В контексте центральной темы семестра, стоит посоветовать ученикам прочитать главный трактат Василия Кандинского «О духовном в искусстве», который может быть полезен своей ассоциативной образностью: «…понятие слышания красок настолько точно, что не найдется, пожалуй, человека, который попытался бы передать впечатление от ярко-желтого цвета на басовых клавишах фортепиано или сравнивал бы краплак со звуками сопрано» [4].
Один из моих любимых и не раз опробованных приемов — введение в полихромный натюрморт гипсовых геометрических фигур, своей белизной являющихся своеобразным контрапунктом постановки. При этом характер и качества смонтированного преподавателем натюрморта являются довольно существенным моментом, оказывающим неоспоримое влияние на конечный результат — уровень студенческих работ. Чем ясней и выразительней будет составленная композиция, тем легче будет ученику осознать стоящие перед ним задачи. Поэтому, нередко, я привлекаю студентов к сотворчеству по созданию постановки, что позволяет им на практике убедиться в значимости формально-профессиональной стороны дела и не дает возможности просто срисовывать.
Последняя работа этого семестра пишется на произвольном формате, большем чем лист ватмана. Как правило, это вертикальные, несколько реже горизонтальные композиции, размером до 2-х метров по большей стороне. Специально для этого постановка составляется из 4-5 крупных элементов, 5-6 мелких предметов и драпировок. Она занимает площадь примерно 1,5 х 1,5 х 2 метра. Выполняя задание, ее обязательно нужно фрагментировать и трактовать форму предметов, глубину пространства и цветовую структуру более условно и обобщенно, чем в предшествующих натюрмортах, выявляя и обостряя формально-пластические качества композиции. Возможна мотивированная деформация формы, изображение строится не в традиции академизма. Подобная установка дается для того, чтобы дополнительно стимулировать развитие у студентов образного мышления. Одно дело, когда нужно верно написать готовую структуру и совсем другое, когда систему построения приходится создавать самому (поскольку, в зависимости от выбранного ракурса и степени усечения существенно меняется логика организации композиции). Большой формат листа — важный элемент в этом задании. Работать с ним значительно сложнее, чем со стандартным ватманом. Это хорошая школа для получения представления о соотношении идея-эскиз-формат. На экзаменационную подачу представляются пять композиций плюс эскизы.
Занятия по рисунку в 3-м семестре полностью проходят в институтских мастерских. Начиная с рисования черепа человека и заканчивая гипсовой отливкой, студенты изучают конструктивно-пластические особенности головы человека. На зимнюю экзаменационную подачу представляются четыре листа с рисунками (карандаш, бумага А2, А1). 4-й семестр студенты работают с пространством. Рисуют в корпусе нашего университета на Моховой 26 и в интерьерах СПб Государственной художественно промышленной академии им. Штиглица. За четыре месяца надо сделать пять полноформатных работ. Выбираются интерьеры с разной глубиной пространства и разным количеством уровней. От простых к более сложным. Работа не ограничена в материале, желательно часть композиций сделать в графитном карандаше, а часть — мягким материалом. Одно из основных требований — конструктивный анализ изображаемого пространства. Компонуют работы в формат листа (вертикальный или горизонтальный), без каких-либо обрезаний. На экзаменационную подачу представляются: пять композиций (карандаш и мягкие материалы) плюс несколько планшетов с набросками.
На 3-м курсе (два семестра по 136 уч. часов) нет разделения предмета на рисунок и живопись, идут общие задания с одним преподавателем. В этом семестре стоит посоветовать студентам ознакомиться с текстами В. А. Фаворского по теории композиции и теории графики [5].
Несколько слов по поводу характера задания и сути работы в 5-м семестре. Преподавателем монтируется большая инсталляция (примерно 3 х 4 х 1,5 м) из 3-5 крупных элементов и 6-8 поменьше + драпировки. Работа начинается с композиционных карандашных набросков (с разных ракурсов, делается около 8-15 листов, формат А4). Затем, отрисовывается (по выбранному наброску) натурная композиция (формат производный от листа ватмана).
Следующий этап — выполнение трех композиций — пластических интерпретаций постановки. Формат бумаги произвольный — производный от листа ватмана. Делаются наброски (с разных ракурсов), на их основе — эскизы. Одно из обязательных условий — фрагментация изображаемого объекта. Затем, по отобранному с руководителем подсобному материалу — станковые листы: 1. Монохромная композиция (техника исполнения не регламентирована — могут быть использованы любые графические материалы); 2. Цветная композиция (техника исполнения не регламентирована); 3. Коллажная композиция.
Задачи: обобщение формы (особое внимание к выразительности пятна, линии и фактур). Более условная (чем в натурной работе) трактовка цветотональных отношений, целостная и ритмически убедительная организация всего листа, возможна сознательная корректировка изображаемого (убрать деталь/предмет, изменить пропорцию, упростить и деформировать форму и т. д.). Вариативность в трактовке среды (глубины пространства, перспективы).
В контексте данного семестрового задания для студентов будет полезно знакомство с теоретической работой Василия Кандинского «Точка и линия на плоскости», помогающей оторваться от конкретики натурной работы и позволяющей приблизиться к пониманию возможностей формально-пластического языка искусства [6]. Обязательно нужно пересмотреть живописные натюрморты и интерьерные композиции Матисса, познакомиться с листами из серии 1947 года под названием Джаз, возможно, с коллажами немецких дадаистов (Курта Швиттерса, Ханны Хёх и других), русских художников использовавших принцип монтажа (в первую очередь Александр Родченко, Эль Лисицкий). При этом студентам нужно постараться вывести на осознанный уровень характер различий в использовании одного и того же по сути метода работы у названных мастеров. На экзаменационную подачу представляются четыре итоговые композиции плюс несколько планшетов с набросками и эскизами.
В 6-м семестре, который с моей точки зрения является одним из наиболее интересных, студенты изучают пластику человека, делая работы, по материалам и задачам аналогичные предыдущему семестру. Начинается с набросков фигуры: по очереди поднимаясь на подиум, рисуют друг друга, затем, через несколько занятий — профессионального натурщика. В этот период обязательным для студентов является знакомство с основами пластической анатомии.
Для натурных зарисовок годится как ватман, так и более тонкая бумага и практически любые сухие рисовальные материалы (графитный карандаш, уголь, сепия, сангина, соус и прочее). Полезно, когда ученик пробует разные материалы, постепенно определяясь с наиболее адекватным собственному творческому темпераменту выбором. Во время набросков на одну позу отводится 7-10 минут, отдельно дается задание на быстрые зарисовки (2-4 минуты).
Основные задачи при работе с фигурой человека: пропорциональность, анатомическая убедительность и обобщенность в трактовке формы, лаконичность, цельность, линейно-пластическая выразительность, соразмерность с форматом листа и динамичность композиции. После набросков выполняются работы в лист ватмана. Две разных позы, по 40 часов на каждую. Одна — на карандаш, другая — на мягкий материал. Следующий этап — эскизы для больших композиций, делающиеся на основе натурного материала. Первая композиция — на цвет, вторая — на монохром (часто черно-белое решение), третья — коллаж. На каждое задание надо подготовить по 3-7 эскизов.
На итоговую подачу выставляется 5 полноформатных листов и планшеты с одобренными преподавателем эскизами и набросками (от 15 до 50 зарисовок).
7 семестр 4-го курса последний, в котором студенты изучают пластическое искусство. К великому сожалению, у сегодняшних студентов даже на старших курсах часто полностью отсутствует реальное представление о закономерностях развития пластической формы, физических свойствах материалов и современных методах их обработки. А если что-то и присутствует, то все по отдельности, без взаимосвязи первого, второго и третьего. Выглядит семестровое задание следующим образом — студентам нужно разработать и сделать арт-объект, органично вписав его в проект интерьера — от идеи до полноформатного воплощения в материале. Ограничений на техники и технологии его создания практически нет. Основное пожелание с моей стороны — вещь должна быть сделана на стыке дизайна и искусства [7]. В данном случае отсутствует требование создать прототип для тиражирования (хотя и это возможно), но скорее, уникальную вещь. Приветствуется индивидуальность и нетривиальность на стадии формулирования идеи, технологичность и функциональность объекта на выходе. В качестве ориентиров мной называются опыт работы с объектами дизайна школ Баухаус и ВХУТЕМАС, финский дизайн, арт-объекты группы Мемфис.
Одно из обязательных условий для получения высокой оценки — стилистическая привязка проектируемого арт-объекта к конкретному интерьеру (делаются 3D эскизы объекта в среде). На итоговый просмотр выставляется: рукодельные наброски; рабочие чертежи; фотографии, сделанные в процессе изготовления предмета; макет; эскизы, показывающие объект в интерьере; сам арт-объект. Полученная в этом семестре оценка является итоговой.
Список литературы
править- 1. Арт-мост-акварель 2007. Каталог выставки IV международной биеннале акварели (14.12.2007-08.01.2008) в СПб СХ России. СПб, 2007.
- 2. Иоханнес Иттен. Искусство цвета. — М.: Изд. Д. Аронов. 2010. — 96 с.
- 3. Josef Albers. Interaction of Color. — New Haven: Yale University Press, 1975.
- 4. Василий Кандинский. О духовном в искусстве, 1910. — с. 44.
- 5. Фаворский В. А. Литературно-теоретическое наследие. М.: Советский художник, 1988. — 588 с.
- 6. Кандинский В. Точка и линия на плоскости. СПб.: Азбука, 2011. — 240 с.
- 7. Подробнее см.: Парыгин А. Б. Создание арт-объекта как курсовое задание для студентов. // Вестник СПГУТД. — 2010. — Серия 3. № 4. — С. 27-30